CULTURA

di Paolo Pedicini
montesarchio@vivere.it

Scacco al rap. Episodio 14: Comedy of Errors

Siamo arrivati all’ultimo episodio del nostro breve, e inevitabilmente incompleto, viaggio nel rock progressivo. Le band che meriterebbero una menzione sono migliaia, i dischi degni di una recensione ancora di più. Ho scelto di concentrarmi solo su quei lavori che, secondo il mio giudizio personale, riescono a restituire con più nitidezza l’essenza del genere: nato come deviazione dal rock e diventato, col tempo, una sua componente fondamentale, a tratti dominante.

Chiudo con un gruppo che mi ha sorpreso più di quanto immaginassi. Non solo perché scozzese, e quindi, secondo un pregiudizio infondato, lontano dalla sensibilità progressive, ma anche perché arrivato sulla scena molto dopo i protagonisti storici. Eppure, proprio questa distanza temporale gli ha permesso di interpretare il genere con una libertà inattesa.

I Comedy of Errors sono una progressive rock band di Glasgow, attiva dal 1984, considerata oggi una delle realtà più raffinate e coerenti del neo‑prog britannico. La loro musica unisce melodia, struttura sinfonica, precisione tecnica e un forte senso narrativo. Il complesso nasce a Glasgow, nel gennaio 1984, dopo una prima fase si scioglie nel 1990. Nel 2011, però, la band si riforma e pubblica Disobey, che inaugura un secondo ciclo, più maturo a livello artistico.

La band, pur se collocata nel neo‑progressive rock, possiede una personalità molto distinta dal genere. La loro impronta è composta da composizioni strutturate, spesso in suite o brani a sviluppo tematico. Un uso elegante di tempi dispari e cambi di sezione, sempre al servizio della fluidità. Tastiere sinfoniche e chitarre limpide, più orientate alla melodia che alla virtuosità fine a sé stessa. Voce espressiva ma controllata, con testi che esplorano tempo, memoria, fragilità umana, mai in modo autobiografico o confessionale.

È un prog disciplinato, emotivo e narrativo, più vicino alla scuola scozzese che all’enfasi spettacolare di altri gruppi britannici. La formazione è composta da Joe Cairney alla voce Jim Johnston, tastierista e compositore. Mark Spalding alla chitarra. Bruce Levick, batteria. John Fitzgerald, basso e parti aggiuntive. Se ami il prog melodico, strutturato e senza eccessi, i Comedy of Errors sono una band che unisce qualità compositiva, cura del suono, un’identità prettamente scozzese, lirica, malinconica, luminosa.

A differenza di molte formazioni prog contemporanee, il gruppo ha sempre mantenuto un profilo estremamente discreto. Le loro comunicazioni ufficiali, interviste, note di copertina, social, si concentrano quasi esclusivamente su musica, composizione, processi creativi, storia della band. Non parlano quasi mai di famiglia, relazioni, professioni parallele o dettagli personali. È una scelta coerente con la loro estetica: la musica al centro, le persone dietro le quinte.

Quello che si può dire senza invadere la sfera personale è legato al loro ruolo artistico: Jim Johnston è il principale compositore e l’architetto sonoro del gruppo. Joe Cairney è noto per la sua voce espressiva e per un approccio interpretativo molto teatrale ma sobrio. Molti membri hanno avuto, o hanno tuttora, carriere parallele fuori dalla musica, come spesso accade nel prog moderno, ma non ne parlano pubblicamente. Sono più vicini alla tradizione prog “filosofica” che a quella intimista.

Uscito nel 2013, Fanfare & Fantasy è considerato da molti il vero capolavoro dei Comedy of Errors, l’album in cui la band scozzese trova una sintesi quasi perfetta tra melodia e struttura, energia e lirismo, prog sinfonico e sensibilità moderna, narrazione emotiva e rigore compositivo. È un disco che non cerca l’eccesso tecnico, ma la coerenza interna: ogni brano è costruito come un episodio di una stessa storia, pur non essendo un concept album in senso stretto. Il filo conduttore è la condizione umana, osservata attraverso immagini di speranza, perdita, memoria, rinascita.

Il tastierista e compositore Jim Johnston in questo album raggiunge una maturità notevole, i suoi sono arrangiamenti orchestrali senza pesantezza, l’uso che fa del pianoforte dà identità all’intero album, i testi privilegiano una scrittura a forte tensione emotiva più che una sterile e inutile complessità. Cairney, il cantante, offre una delle sue interpretazioni più intense, non va mai sopra le righe ed è capace di passare dal tono intimo alla spinta epica con naturalezza. La sezione ritmica è precisa ma calda, la chitarra di Mark Spalding è melodica e mai invadente. Tutto è calibrato per creare un flusso narrativo continuo, coreografico. L’album alterna fanfare luminose, momenti di malinconia sospesa, aperture sinfoniche ed episodi più rock e dinamici. Il risultato è un disco che “respira”, che si apre e si richiude come un romanzo musicale.

Il primo brano, Fanfare For The Broken Hearted, si apre con un tema solenne, quasi da ouverture teatrale. Tastiere sinfoniche che evocano una fanfara moderna. Un crescendo orchestrale che non esplode mai davvero, ma prepara. La chitarra entra con un fraseggio melodico, non aggressivo, come un raggio di luce. È una dichiarazione d’intenti: questo album parlerà di ferite e rinascite, con un tono epico ma umano. La voce di Joe Cairney arriva morbida, quasi confidenziale. Il testo introduce il tema centrale: la fragilità e la resistenza.

“We are the broken-hearted…” «Noi siamo i cuori infranti… » una frase semplice, ma che stabilisce subito il “noi”, la comunità dei feriti, non un io isolato, mentre il pianoforte in primo piano è accompagnato da una batteria leggera, quasi trattenuta. L’atmosfera è sospesa, ma poi la musica si apre, come se il brano prendesse fiato. Le tastiere aggiungono un tappeto più ampio e la voce salendo di intensità, ma senza forzare, canta un passaggio che è la constatazione alla speranza: “…but still we carry on.” «…ma continuiamo ad andare avanti.» Un verso che funziona come ponte emotivo. Il ritornello è uno dei momenti più memorabili dell’intero album: melodia ampia, quasi “cantabile”. Il testo insiste sull’idea di resistenza luminosa, non eroica ma quotidiana.

Dopo il secondo ritornello, c’è una sezione strumentale che non è un assolo tradizionale, ma un dialogo: la chitarra di Spalding canta, non “suona”, le tastiere rispondono con linee orchestrali. La ritmica resta solida ma discreta. È un momento di respiro, quasi contemplativo. Il brano si chiude riprendendo il tema iniziale, ma con un tono più dolce, meno trionfale. Come se la fanfara fosse diventata un ricordo, o una promessa. Il testo finale “…we rise again.” «…ci rialziamo» è una chiusura che non è un’esplosione, ma un’affermazione calma. In conclusione il brano rappresenta il manifesto emotivo dell’album, oltre a unire solennità e tenerezza, introduce i temi ricorrenti: ferita, speranza, comunità, resilienza. Mostra la capacità dei Comedy of Errors di essere epici senza essere pomposi.

Anche la seconda traccia, Something She Said, si apre con una vera fanfara strumentale: tastiere, basso, batteria e chitarra elettrica solista intessono melodie taglienti, mentre un effetto corale riempie il panorama sonoro. La chitarra elettrica risuona con potenza mentre quella meravigliosa sonorità tipo mellotron invade la stanza. La struttura musicale del brano è un perfetto esempio dello stile del gruppo: il mellotron scorre come onde oceaniche, in avanti e poi indietro, in sincronia con un basso solido, chitarra elettrica e una batteria ben calibrata. Poi arriva il momento stellare del pianoforte solista nella sezione centrale, che fa venire voglia di altro, seguito dalla chitarra elettrica che cade come pioggia sottile sul sintetizzatore mentre suona la sua solida melodia.

Il tutto si inserisce in un sound che si contraddistingue per fluide figure di tastiera, un incredibile lavoro di chitarra, tessiture ritmiche rifinite. Il cantante Joe Cairney ha una voce pulita e articolata, quasi teatrale, collocabile a metà strada tra il cantante solista dei Grey Lady Down e Nick Barrett dei Pendragon, con l'occasionale falsetto di Tim Brooks aggiunto nel mix. Per quanto riguarda i testi, il brano tocca temi di introspezione, smarrimento interiore e identità. Dalle parole che si intravedono nelle recensioni e nei frammenti disponibili, emergono versi molto evocativi:

“I looked across the mirror for an answer to a prayer, and all I saw reflecting was a vacant stare.” «Ho guardato nello specchio cercando la risposta a una preghiera, e tutto ciò che ho visto riflesso era uno sguardo vuoto.» Un'immagine di vuoto e ricerca di sé riflessa nello specchio, potente nella sua semplicità.

“The Prince had all but left me, and the King was all but dead.” «Il Principe mi aveva ormai lasciato, e il Re era praticamente morto.» Con riferimento narrativo all'album precedente (Disobey), quasi a costruire una continuità epica tra i due lavori.

“The victims of reality they hide so deep inside my head.” «Le vittime della realtà si nascondono così in profondità nella mia mente.» una riflessione sulla pressione psicologica della realtà esterna che si insinua nella mente. Versi che rappresentano poesia in movimento musicale.

Something She Said è un brano che incarna perfettamente l'anima dei Comedy of Errors: prog sinfonico di scuola classica, con arrangiamenti densi e curati, testi introspettivi e una coerenza stilistica rara. La scrittura infallibile di Jim Johnston e le sue tastiere onnipresenti creano un suono sinfonico che dimostra come il libro del prog non sia ancora stato chiuso. Un brano per chi ama il prog nella sua forma più nobile: emotivo, tecnico, narrativo.

In A Lifetime: rispetto alla morbidezza onirica di Something She Said, questo brano cambia registro in modo deciso, è un pezzo potente, pieno di chitarra elettrica solista che tuona, basso, batteria incalzante, tastiere e tamburello. La struttura si apre con energia immediata e non lascia spazio alla contemplazione: è il brano più muscolare della prima parte dell'album, con un andamento che ricorda le pagine migliori del neo-prog britannico. Il brano è seguito da un dinamico assolo di chitarra elettrica che lava via tutto il rimpianto. La chiusura è affidata a tastiere di livello Genesis e chitarra elettrica solista che richiamano l'era di Trick of the tail e alcuni degli album classici del gruppo. Se Something She Said guardava verso l'interno con malinconia e disorientamento, In a Lifetime ha un tono più risolutivo, quasi catartico. È un brano sull'emancipazione, dal rumore di fondo delle relazioni vuote, dalle aspettative altrui, da tutto ciò che appesantisce.

“Maybe now I'll have the time to see what I don't need. Maybe now I'll get to find out who I am.” «Forse ora avrò il tempo di vedere ciò di cui non ho bisogno. Forse ora scoprirò chi sono.» un momento di consapevolezza e distacco, quasi una dichiarazione di libertà ritrovata.

“Wave goodbye to all the hollow friends and vested interests.” «Dì addio a tutti gli amici vuoti e agli interessi mascherati.» una delle immagini più taglienti dell'intero album: amicizie vuote e interessi mascherati liquidati con un gesto solo.

“Sharing skin and all the baggage there in.” «Condividere la pelle e tutto il bagaglio che contiene.» frase densa, che evoca l'intimità come peso condiviso, non solo come dono.

“Now the time has come to blow out all the deadwood. See how our problems sometimes set us free.” «Ora è il momento di eliminare il legno morto. Guarda come a volte i nostri problemi ci liberano.» bellissimo paradosso: i problemi come agenti di liberazione, non solo di sofferenza.

Joe Cairney consegna un messaggio forte sul bisogno di essere ascoltati e, ancor più, compresi. In a Lifetime è il brano dell'album in cui la band alza la voce nel senso più letterale, musicalmente e liricamente, e lo fa con la precisione di chi sa quando usare la forza e quando lasciar parlare il silenzio. Il contrasto con la traccia precedente è sapientemente costruito, e conferma la coerenza narrativa di Fanfare & Fantasy come opera unitaria, non come semplice raccolta di canzoni. Un brano che cresce ad ogni ascolto, e che lascia addosso la sensazione di aver assistito a qualcosa di autenticamente vissuto.

Quarta traccia dell'album, Going for a Song, porta una ventata di freschezza melodica dopo l'intensità emotiva di In a Lifetime. Il brano si apre con un eccellente assolo di chitarra, seguito da sezioni di archi e tastiere morbide che accolgono l'ascoltatore all'alba, prima che un ritmo veloce di tastiere esploda nel paesaggio sonoro caricandolo di emozione.

Il cuore strumentale del pezzo è affidato alle tastiere di Jim Johnston, che qui raggiungono uno dei loro picchi nell'album. Segue uno dei migliori assoli di tastiera dell'intero disco, mentre chitarra solista, basso e batteria riempiono gli spazi e tengono insieme il suono. un capolavoro di tastiera che strizza l’occhio a Going For The One degli Yes. Il tono lirico qui si fa più quotidiano, quasi impressionista. C'è una pennellata di vita ordinaria che apre il brano con una scena mattutina disarmante nella sua normalità:

“You waken late, you haven't shaved. Sleep still in your eyes. You reach out for the time.” «Ti svegli tardi, non ti sei rasato. Hai ancora il sonno negli occhi. Allunghi la mano per cercare l’ora.»

Un inizio quasi cinematografico, l'immagine di un risveglio pigro, con quel gesto universale di cercare l'orologio, che contrasta con la grandiosità musicale che lo circonda. È uno dei momenti in cui i Comedy of Errors dimostrano di saper mescolare il quotidiano con l'epico senza che l'uno sminuisca l'altro. Going for a Song è il brano più "ariato" della prima metà di Fanfare & Fantasy: meno carico di tensione emotiva rispetto ai precedenti, ma non per questo meno riuscito. Anzi, funziona perfettamente come momento di respiro nell'architettura dell'album, offrendo all'ascoltatore una pausa luminosa prima che il disco torni ad alzare la posta. Le tastiere sono protagoniste assolute, e il contrasto tra l'apertura acustica e l'esplosione ritmica centrale ne fa uno dei brani più dinamici della tracklist.

Merry Dance è la quinta canzone di Fanfare & Fantasy e, già dal titolo, annuncia le sue intenzioni con una certa gioia dichiarata. È esattamente ciò che il titolo promette: una danza di tastiere fin dall'apertura che ti cattura immediatamente. Il basso, la chitarra solista e la batteria stabiliscono un ritmo eccellente mentre il brano si sviluppa, poco prima che le meravigliose tastiere simili a un pianoforte si dispieghino. È probabilmente il brano più leggero e danzante dell'album, quasi una parentesi di levità in un disco che altrove spinge su toni più riflessivi e drammatici. Gli assoli di chitarra che si lanciano nell'aria riportano alla mente memorie inquietanti dei maestri del passato. L'energia è quella di una danza medievale reinterpretata attraverso il filtro del prog sinfonico: c'è qualcosa di quasi folklorico nel modo in cui la melodia si muove, circolare e ipnotica. Il testo è breve ma filosoficamente denso. Il verso centrale del brano è anche il più memorabile dell'intera canzone:

“We live for the merry dance. In a life that's nothing more than chance.” «Viviamo per la danza gioiosa. In una vita che non è altro che caso.»

Una riflessione sull'esistenza come danza gioiosa ma casuale, priva di un disegno predeterminato. C'è una rassegnazione serena in queste parole — non il nichilismo cupo, ma l'accettazione luminosa di chi ha fatto pace con l'imprevedibilità della vita. È quasi una risposta filosofica a In a Lifetime: se lì il protagonista cercava di ritrovarsi liberandosi dei pesi, qui sembra aver trovato una risposta nella leggerezza stessa del vivere. Un brano che sorride, ma con gli occhi aperti sul mondo.

The Cause, sesto pezzo di Fanfare & Fantasy, rappresenta uno dei momenti più imponenti dell'intero disco. Il brano irrompe attraverso i cancelli con una potente chitarra elettrica, seguita da tastiere ora inquietanti, ora avvolgenti. Quel tocco di pianoforte ha una finalità che aiuta a definire dove la traccia sta andando. È il secondo brano più lungo dell'album e anche uno dei più elaborati strutturalmente. La lenta chitarra acustica, poi quella elettrica, si fa strada tra le tastiere circostanti, il basso travolgente e una batteria vivace. La dinamica interna è quella di un crescendo continuo, con momenti di quiete acustica che cedono il passo a esplosioni di suono orchestrale. La potenza e la maestosità del miglior neo-prog risuonano con la forza di una grande sinfonia.

Liricamente, The Cause è la traccia più politica e collettiva dell'album, uno sguardo verso l'esterno, dopo che i brani precedenti avevano esplorato soprattutto il mondo interiore. Il tono è quello di una riflessione sul senso del sacrificio, sulla memoria storica e sull'identità culturale:

“Misty eyed and sentimental singing songs of martyrdom, ancient songs that tug at the heart.” «Con gli occhi lucidi e sentimentali cantiamo canzoni di martirio — antichi canti che tirano il cuore.»

Un'immagine potente: la malinconia lacrimosa di chi celebra cause antiche, con quella tensione tra sentimentalismo genuino e retorica del martirio.

“There has to be a reason for ‘The Cause’.” «Deve esserci una ragione per la Causa.»

Un verso apparentemente semplice, ma di grande peso: la ricerca di un senso che giustifichi il sacrificio, il dubbio che si insinua anche nel cuore dei più convinti. Questo è ciò che manca al prog: la potenza maestosa e la gloria del passato, rinata con nuovi testi e nuove storie. The Cause è il brano più epico e cinematografico di Fanfare & Fantasy, quello che più di ogni altro giustifica il paragone con i grandi nomi del prog sinfonico britannico. La sua architettura è complessa ma mai fredda, e il testo riesce nell'impresa rara di dare un peso politico e storico a una canzone senza appesantirla. Un brano che si ascolta e si sente, nel senso più fisico del termine.

Settima traccia dell'album, Time's Motet And Galliard è uno dei brani più ambiziosi e strutturalmente complessi del disco. Il titolo stesso è un omaggio alla musica classica rinascimentale: il mottetto è una forma polifonica vocale tipica del Medioevo e del Rinascimento, mentre la gagliarda è una danza vivace in tempo ternario molto popolare nel XVI secolo. La band scozzese prende queste forme antiche e le trasfigura nel linguaggio del prog sinfonico con risultati straordinari.

Il brano si apre con brillanti tastiere e un'apertura corale che ti fa quasi sentire a un matrimonio reale o a un evento formale. Riemergono ricordi del primo Genesis, poi degli Yes con il suo suono di organo a canne che riempie la stanza. Assolutamente fantastico. Ma è nella seconda metà che la composizione raggiunge le sue vette più alte. Joe si addentra nel territorio di Jon Anderson con eccellenti giri vocali. Quella sezione è seguita da un meraviglioso viaggio verso la grandiosità del suono familiare nei classici come Grand Hotel dei Procol Harum. È un capolavoro di oltre otto minuti.

"Is this Life? Is this more than just a game of…" «È questa la Vita? È questo più di un semplice gioco di…»

Un incipit che richiama le grandi domande esistenziali care al rock sinfonico classico, con quella sospensione finale che lascia la frase, e il pensiero, volutamente aperti. Time's Motet and Galliard è probabilmente il brano più ambizioso dell'intero album, quello in cui i componenti del gruppo mostrano con maggiore chiarezza la propria consapevolezza storica e musicale. Citare il mottetto e la gagliarda non è un vezzo intellettuale: è una dichiarazione d'intenti, un modo per tracciare una linea ideale che unisce la musica polifonica rinascimentale al rock progressivo degli anni '70, fino al neo-prog contemporaneo. La pomposità è carica di un'emozione travolgente che ti inchioda alla sedia e consolida il tuo amore per questo album se sei un fan delle tastiere. Un brano che suona antico e modernissimo allo stesso tempo, e questa è la sua magia più grande.

Remembrance è l'ottavo frammento di Fanfare & Fantasy e rappresenta il momento più intimamente lirico dell'intero album. Dopo la grandiosità barocca di Time's Motet and Galliard, il brano porta l'ascoltatore in un territorio più raccolto e meditativo, quasi confessionale. Il pezzo immerge nell'atmosfera dell'apertura di A Salty Dog dei Procol Harum. È piena di quel pianoforte indimenticabile. Ma dopo la breve intro si viene dolcemente portati in avanti nel futuro con il suono caratteristico di chitarra e tastiere dei CoE che circondano la voce di Joe. La struttura è quella di una ballata progressiva: parte in punta di piedi, con il pianoforte quasi solitario, e cresce gradualmente fino a dispiegare tutto l'arsenale sonoro della band. Le chitarre che si lanciano ti tireranno per le maniche mentre le tastiere tessono le loro reti mistiche. È un brano che non ha fretta, che si costruisce con pazienza e generosità, lasciando spazio all'emozione di sedimentarsi prima di esplodere.

Remembrance è il passo più nostalgico dell'album, una lettera d'amore al passato, alla purezza dell'innocenza perduta e alla bellezza di ciò che non torna più. I versi sono tra i più poetici dell'intero disco:

"Take me back in time to live again. Those days of innocence, that good intent." «Riportami indietro nel tempo a vivere di nuovo. Quei giorni di innocenza — quella buona intenzione.»

Un desiderio universale: tornare a quando il mondo sembrava più semplice e le intenzioni più pure.

"And though it was so very long ago." "I'm there, still there." «E sebbene fosse così tanto tempo fa. Sono lì, ancora lì.»

Uno dei momenti più toccanti dell'album: la memoria come luogo fisico in cui si continua ad abitare, non come semplice ricordo.

"A poet has to be in love with love." «Un poeta deve essere innamorato dell'amore.»

Un verso quasi meta-poetico, una dichiarazione sull'essenza stessa della scrittura lirica.

"And climb to the mysteries of sunsets." «E arrampicarsi fino ai misteri dei tramonti.»

Un'immagine bellissima: il tramonto non come fine ma come mistero da scalare, da esplorare.

"I have been here before." «Sono già stato qui.»

La chiusura circolare del brano, e forse dell'intero percorso emotivo dell'album, con quella sensazione del già sentito che il prog sa evocare meglio di qualsiasi altro genere. Molti hanno definito questi i migliori testi dell'intero album. Ed è difficile dar loro torto. Remembrance è il cuore pulsante di Fanfare & Fantasy: il momento in cui la band abbassa la guardia completamente e parla con voce diretta, senza filtri epici o costruzioni drammatiche. Il risultato è un brano di rara bellezza, che colpisce proprio per la sua semplicità apparente. Come tutti i grandi brani prog, suona allo stesso tempo personale e universale, e questa è la sua forza più autentica. Una canzone che non si recensisce, si sente.

The Answer è la nona e ultima traccia di Fanfare & Fantasy, il gran finale di un album che ha condotto l'ascoltatore attraverso un viaggio emotivo e musicale di straordinaria coerenza. E la band sceglie di chiudere in modo monumentale. Il brano si apre con il miglior attacco di tastiera melotronica dell'intero album. Ti riporterà immediatamente ai giorni gloriosi di Foxtrot e Nursery Cryme dei Genesis. È un inizio che dichiara subito le ambizioni del brano: questo non è un semplice epilogo, è una summa, una sintesi di tutto ciò che l'album ha esplorato fino a quel momento.

C'è ancora abbondante chitarra elettrica che si lancia in questo volo. Più avanti, Joe sfida le doti vocali di Jon Anderson, mentre un ensemble quasi da Supper's Ready di mellotron e suoni di tastiera compete con chitarra e batteria tonante, dirigendosi verso un climax. È un pezzo che cresce senza sosta, stratificando suoni e tensioni fino a un finale che lascia senza fiato. Non a caso è tra le tracce più votate dell'album dai fan su Rate Your Music, con un punteggio di 3.4. The Answer raccoglie i fili tematici sparsi lungo tutto l'album, la ricerca di identità, il rapporto con il tempo, il senso dell'esistenza, e li porta a una risoluzione. Non una risposta definitiva, ma una presa di posizione coraggiosa:

"I live there, I die there... for there I exist." «Vivo lì, muoio lì... perché lì esisto.»

Un verso di potenza straordinaria: l'esistenza come scelta radicale di appartenenza a un luogo, fisico, spirituale, che vale la pena abitare fino in fondo.

"Leaving 9 to 5 behind." «Lasciandosi dietro il solito orario d’ufficio.»

Un momento quasi sorprendente nella sua concretezza: dopo voli lirici tra mottetti rinascimentali e tramonti mistici, la band atterra sulla realtà quotidiana del lavoro alienante, del tempo sottratto a ciò che conta davvero. "For it's this that's real, and this, is not a dream." «Perché questo è reale, e questo, non è un sogno.»

La chiusura perfetta: non la fuga nel sogno, ma la rivendicazione della realtà vissuta intensamente come la vera risposta a tutte le domande poste dall'album. The Answer porta verso un climax con un assolo di chitarra finale. È una conclusione che non delude le aspettative costruite nei sessantasei minuti precedenti. Guardando Fanfare & Fantasy nella sua interezza, ciò che colpisce di più è la sua coerenza narrativa: ogni brano è un capitolo di un viaggio che parte dallo smarrimento interiore (Something She Said), attraversa la liberazione (In A Lifetime), la leggerezza (Merry Dance), l'epica collettiva (The Cause), la grandiosità formale (Time's Motet And Galliard), la nostalgia pura (Remembrance) e approda infine a una risposta, non dogmatica, non definitiva, ma vissuta e autentica.

Fanfare & Fantasy non è solo un grande album prog: è una dichiarazione d’identità. È la prova che il progressive può ancora essere profondo senza essere complicato, epico senza essere pomposo, umano senza essere autobiografico. Le sinfonie presenti nell’opera dimostrano in modo impressionante che la parabola del prog è ancora ascendente. Questo disco non invecchia. Anzi, come tutti i grandi lavori del genere, migliora ad ogni ascolto, perché parla a ciò che non invecchia in noi: la ricerca di senso, la capacità di rialzarci. Ascoltarlo oggi significa ricordare che il prog non è un genere del passato: è un linguaggio vivo, capace di raccontare chi siamo. E i Comedy of Errors, con questo album, lo parlano meglio di quasi chiunque altro.

Tracklist

1. Fanfare For The Broken Hearted
2. Something She Said
3. In A Lifetime
4. Going For A Song
5. Merry Dance
6. The Cause
7. Time's Motet And Galliard
8. Remembrance
9. The Answer