CULTURA

di Paolo Pedicini
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Scacco al rap. Episodio 5: PFM

«Alla “Mostra dello strumento” del 1971 c'era un prototipo di Moog, il secondo esistente, poiché fino a quel momento lo possedeva solo Keith Emerson, che lo aveva ricevuto dal signor Moog in persona. Eravamo estasiati. «Quanto costa?» Chiesi. Costava uno sfracello e mezzo, e noi quei soldi non li avevamo. Allora dissi: «Guarda, io penso che questo strumento potrebbe veramente dare una svolta alla musica italiana. Dallo a noi e ne venderai almeno dieci.» Il proprietario si fidò e ci diede il Moog; con il suo suono incidemmo "Impressioni di settembre". Uscì il disco e fu un successo pazzesco.» (Franz Di Cioccio)

Il 1972 non è stato solo un anno, ma l'apice della maturità per il prog italiano. In un panorama già ricco di talenti, tra i quali spiccavano Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme, la PFM si distinse per una svolta radicale: l'abbandono delle radici beat e l'abbraccio di un suono internazionale ispirato al progressive britannico, discostandosi, però, da quello di altre band contemporanee. Scompaiono del tutto gli accenni a problemi sociali o politici e non c’è più nessuna rabbia giovanile o riferimento antimilitarista. Si nota un abbandono totale di ogni legame con il mondo anticonformista e ribelle a favore di un’alchimia testuale quasi metafisica.

Di conseguenza, le liriche appaiono enigmatiche e introverse, poiché i componenti del gruppo non cercano la descrizione esplicita, preferendo l’inespresso e il non detto. Spesso sembrano cantare la malinconia, ed è possibile che sia così. Di sicuro raccontano emozioni reali e sensazioni che ognuno prova, e lo fanno con una formidabile corrispondenza emotiva, sia con la musica che con le parole. Non appartengono alla moltitudine che pensa di migliorare il mondo trasformando i becchini in animatori turistici. Sanno che la felicità è un’astrazione: una ricerca continua che, una volta compiuta, ci rivela come essa appartenga a un unico istante.

La loro ricerca è orientata all'emozione pura, veicolata attraverso metafore quasi del tutto sganciate dalla realtà cronachistica. Da tutti questi presupposti trae origine “Storia di un minuto”, un viaggio tra malinconie padane, virtuosismi puri, influenze classiche e rinascimentali. Con questo album, la PFM dimostrò che il rock italiano non aveva più nulla da invidiare ai maestri britannici.

La band era formata da Franco Mussida (chitarra e voce), Mauro Pagani (flauto, violino, voce), Giorgio Piazza (basso), Flavio Premoli (organo, pianoforte, mellotron, Moog, voce) e Franz Di Cioccio (batteria), tutti musicisti dalle qualità tecniche decisamente notevoli.

Storia di un minuto contiene anche “Impressioni di settembre”, che era già stata pubblicata nei primi giorni di ottobre del 1971 come lato B del 45 giri “La carrozza di Hans”. Nonostante la decisione iniziale di sceglierla come seconda facciata, fu proprio “Impressioni di settembre” a far schizzare le vendite e invogliare i musicisti a incidere il primo long playing, oltre a cambiare per sempre il mondo della canzone.

Il disco è un concept album che parla di un uomo qualunque e si apre con “Introduzione”, un brano breve di poco più di un minuto che, dopo una dolce atmosfera classica iniziale sottolineata da un flebile vocalizzo, vira verso un cambio lento ma radicale, sconfinando nel rock duro. È la degna premessa per “Impressioni di settembre”, scritta in collaborazione con Mogol, che rappresenta l’espressività criptica del gruppo. Il paesaggio triste, grigio e nebbioso della Pianura Padana diventa la metafora di un uomo solo alla ricerca di se stesso. L'autunno non è descritto come una semplice stagione, ma come una condizione esistenziale ineludibile per ogni essere vivente. La speranza nel "nuovo giorno" appare quasi rassegnata, poiché ritorneranno le medesime riflessioni.

Ciò che ha reso il brano una favola in musica è stata la melodia che Franco Mussida aveva composto di getto, con le dita che trovavano da sole gli accordi, fino a giungere al famoso inciso che sarebbe diventato, per la prima volta in una canzone, un ritornello strumentale. Era un fraseggio che avrebbe perso forza evocativa se eseguito con qualsiasi altro strumento che non fosse il Moog, anche se sarebbe più realistico chiamarlo Minimoog.

Franz Di Cioccio descriverà poi lo strumento in un’intervista.

«Era composto da tre oscillatori che creavano delle onde da mescolare insieme. Potevi giocare con delle manopole e creare il tuo suono. Potevi farlo più acuto o più morbido: poteva sembrare una sega, un clarino, un ottavino… era sfacciatamente sintetico e affascinante, perché ti scuoteva».

Dopo simile capolavoro ne arriva un altro: “È festa”, una straordinaria dimostrazione della bravura di Premoli nel suonare ogni strumento a tasti, con risultati che verranno apprezzati anche da Peter Gabriel e Greg Lake. Il brano è una festa progressive che concilia musica classica, ritornelli popolari e cambi di tempo continui.

Il primo lato del vinile termina con “Dove… Quando… (Parte I)”, un brano nel quale la narrazione diventa poetica e le musiche sono ispirate da suggestioni rinascimentali. Gli arpeggi fanno da preludio alla seconda parte.

Il lato B si apre con “Dove… Quando… (Parte II)”, tutta strumentale. Il motivo musicale è lo stesso della prima parte, anche se più solenne, con l’organo a introdurre l’ascolto e notevoli assoli di pianoforte e flauto a seguire.

“La carrozza di Hans” resta uno dei brani più significativi della PFM, vincitore del primo premio al Festival di Viareggio del 1971, è un equilibrio perfetto tra arpeggi, flauti e strutture fluttuanti tra lo stile dei King Crimson e quello dei Genesis. L'album si chiude con “Grazie davvero”, che ribalta le premesse introspettive per trasformarsi in un maestoso inno alla vita.

Il 33 giri ricevette un’accoglienza straordinaria, conquistando immediatamente sia il pubblico che la critica. Sulla scia di questo successo, alla fine dello stesso anno, la PFM pubblicò il secondo album, “Per un amico”, consolidando le basi di un percorso che l'avrebbe condotta ai vertici del rock italiano e internazionale.

Questa ascesa permise loro di collaborare con giganti come Fabrizio De André, per il quale riarrangiarono in chiave progressive alcuni dei suoi brani più celebri. Tra questi, spicca l'iconica versione de “Il pescatore”: un arrangiamento così potente e riuscito che il cantautore genovese scelse di adottarlo stabilmente in tutti i suoi concerti successivi.

La storia del gruppo è segnata da una curiosa evoluzione: nati come “Quelli” e diventati poi “Krel”, scelsero infine il nome Premiata Forneria Marconi. Fu una scelta audace, motivata da una riflessione quasi psicologica: per loro stessa ammissione, erano convinti che più un nome fosse stato difficile da ricordare, più sarebbe risultato impossibile dimenticarlo. Una scommessa vinta, per una band che ha continuato a far parlare i propri strumenti per decenni, raggiungendo una maturità compositiva tale da catturare l’attenzione di Greg Lake, degli Emerson, Lake & Palmer, che ascoltando casualmente i dischi della band rimase folgorato dal loro modo di fare musica, differente da tanti gruppi europei che si limitavano a copiare il suono inglese.

Secondo Greg Lake, la PFM possedeva un’identità artistica unica: la rara capacità di fondere il virtuosismo rock con la tradizione melodica e classica italiana. Proprio per questo, li esortò a incidere un disco in lingua inglese: considerava la loro musica "universale", ed era convinto che la lingua non dovesse rappresentare una barriera, bensì un veicolo per raggiungere il mondo intero.

«Voi non siete una band italiana che suona rock, siete una rock band che viene dall'Italia.» Disse loro solennemente durante la firma del contratto con la Manticore.

Da quel momento in poi, la Premiata Forneria Marconi avrebbe iniziato la sua ascesa globale, arrivando perfino a scalare le prestigiose classifiche di Billboard.

Elenco dei brani

Introduzione

Impressioni di settembre

È festa

Dove… quando (Parte I)

Dove… quando (Parte II)

La carrozza di Hans

Grazie davvero